Les Ogres de Barback passent et repassent ! En même temps, leur nouvel album est une véritable invitation au voyage. Ils étaient il y a quelques mois en Lorraine, les voici cette fois-ci dans la capitale, pour vous présenter leur nouveau spectacle, tout simplement à voir !
Pour avoir un petit aperçu, allez suivre leur blog de tournée, tout simplement génial !

Après avoir joué tous les quatre dans la rue puis sur tous types de scènes, les Ogres ont fait, au début de ce siècle, l’acquisition de chapiteaux sous lesquels ils se sont promenés là où le vent semblait vouloir les mener, entourés souvent de groupes amis. Ils y ont rencontré des frères d’armes, Les Hurlements d’Léo, avec lesquels ils ont fait un joli bout de chemin [le projet scénique et discographique « Un air, deux familles »] tant en France que plus largement en Europe. Puis ils se sont encanaillés avec La Fanfare du Belgistan, six Belges fous, durant plus de deux ans. Soucieux de réinvestir la scène seuls mais en l’habillant d’un superbe décor et d’écrans vidéo, ils ont alors monté ce qui allait devenir le plus beau et imposant spectacle qu’ils n’aient jamais proposé [et qu’ils ont, à ce titre, immortalisé sous la forme du double dvd « Fin de Chantier… à l’Olympia »].Puis, sortis des poids lourds, tour-bus, décor et des multiples contraintes techniques qu’impliquait ce spectacle, les Ogres ont souhaité revenir, entre fin 2008 et début 2010, à quelque chose de plus simple, de plus spontané, qui leur permette de retrouver une forte proximité avec le public. Renouer avec une forme de concert à présenter dans un type de lieux qu’ils n’étaient plus en mesure d’investir depuis des années, en somme.

Enfin, après une petite vingtaine de dates au printemps 2010, ils ont quitté la route. Pour se reposer, se ressourcer et travailler à un nouvel album pour mars 2011. Dont il se murmure qu’il pourrait revêtir une couleur très « chanson », moins ornementée de diverses musiques du monde, peut-être même dénué de toute électricité…C’est dans cette diversité dans les propositions faites au public, dans l’enchaînement des projets, des rencontres et des échanges tant humains qu’artistiques, que les Ogres puisent une énergie et une envie sans cesse renouvelées. C’est ainsi qu’ils entendent leur métier. Concernant le prochain spectacle, l’on pourrait évoquer la probabilité qu’il accueille un nouveau décor, qu’il fasse une place inhabituelle à l’image, que la liste des morceaux présentés soit intégralement renouvelée et même envisager la possibilité qu’il héberge un à plusieurs invités. Mais ce dont nous sommes sûrs, c’est qu’il s’agira de quelque chose d’original, d’une sensibilité singulière et de différent. À l’image des Ogres. Parce qu’il ne saurait en être autrement...

Plus d'informations sur Les Ogres de Barback :

http://www.lesogres.com/

[*Comme à leur habitude, avec des tarifs tous inférieurs à 30€ (frais de location inclus), les Ogres proposent le concert le moins cher de la saison pour l'Olympia !]

C'est au Seven Casino d'Amneville que Lilly Wood & The Prick a décidé de venir poser ses bagages !

Ce sera mardi prochain, histoire de bien finir le mois de Novembre !

C’est une histoire qui ressemble à un conte de fée musical. Un soir, à Paris, Nili et Ben se rencontrent dans un bar par le biais d’amis communs. Le courant passe si bien entre eux que, dès le lendemain, ils composent ensemble, au feeling, leurs trois premiers morceaux. Comme si, d’un coup de baguette magique, ces débutants s’étaient transformés en musiciens. Jusque-là, Nili, née en Israël, ayant vécu à Londres et en Californie, n’avait jamais chanté en public.
Ben, lui, parisien de toujours, traînait sa guitare, en mal de partenaire avec qui créer. L’alchimie qui règne immédiatement entre eux sert d’étincelle ; il ne reste plus qu’à nourrir d’idées et d’expériences ce feu qui les réunit.
Ils ont pourtant grandi dans des cultures bien différentes. Tout en adorant le funk de Chic ou la techno pop de Depeche Mode, Ben connait sur le bout des doigts les classiques de la guitar music, de J.J. Cale à Bruce Springsteen. , elle, ne revendique pas une énorme culture musicale : si les chansons d’Elliott Smith la bouleversent, elle assume aussi son penchant pour la variété eighties. Le premier disque qu’elle a acheté, c’est celui qui passait dans le magasin… par chance il était d’Aretha Franklin !
Au lieu de les éloigner, leurs parcours et leurs caractères se complètent, se rejoignent autour des mêmes convictions. Ils préfèrent oublier la technique pour balancer d’abord des émotions dans leurs chansons. Sans regard pour le qu’en-dira-t-on, ils carburent au frisson, cherchent à écrire une musique qui prend aux tripes.
Taquins, ils choisissent de répondre au nom de Lilly Wood And The Prick, une appellation qui frappe l’imaginaire tout en contenant une bonne dose d’autodérision :
(« wood » signifie « bois » et « the prick » quelque chose comme « le petit con »). Ce nom imagé correspond aussi à une préférence linguistique : totalement bilingue, Nili écrit ses paroles en anglais, langue avec laquelle cette Franco-Israélienne se sent plus à l’aise. Il traduit aussi leur état d’esprit : ne pas se prendre au sérieux, se moquer à l’avance des étiquettes qu’on cherchera à leur coller.
Avec eux, les cloisons entre les genres disparaissent comme s’ils traversaient les murs. Naturellement éclectique, le duo vibre autant pour des groupes récents comme The XX ou La Roux que pour Barbara ou Gainsbourg. Il s’autorise donc toutes les directions, que ça sonne hip hop, new wave ou electro. Ses débuts ont pourtant pu faire croire à un groupe folk. Mais à l’époque, les deux complices ne disposaient que de la guitare de Ben et d’une petite boîte à rythme pour camper leur décor et leurs histoires. Quand ils traversaient Paris en scooter pour donner leurs premiers concerts, ils rêvaient déjà de peindre chaque morceau comme un tableau aux couleurs uniques.

Leur rencontre avec Pierre Guimard, autre coup de foudre, va permettre à leur palette de gagner en nuances, des plus féériques aux plus inquiétantes. Excité par ce qu'il a entendu sur leur myspace, Pierre leur ouvre les portes de son studio et fonde avec Matthieu Tessier, manager du duo, le label Choke Industry, sur lequel sortira le premier maxi du groupe. Ils le baptisent Lilly Who And The What ? en référence à leur nom de scène qui intrigue et désarçonne. Sur cette première sortie, qui rencontre un joli succès sur les plateformes digitales, leur reprise enregistrée pour le fun de “L.E.S. artistes”, la chanson de Santigold, prévient : ce groupe sera inclassable et surprenant.
Une promesse tenue par Invincible Friends. Conçu avec la complicité de Pierre Guimard, ce premier album dessine les contours d’un univers tendre et fantastique où l’on ne sait jamais sur quel pied danser, où l’on se perd avec délice entre les humeurs et mélodies. Avec onze chansons comme autant d’histoires distinctes et ambigües, il réalise d’impressionnants grands écarts entre les compositions intimistes d’une Fiona Apple et les synthés à la Daft Punk, entre l’intensité sans âge d’un Bob Dylan et l’écriture décomplexée et électro-pop de Metronomy. Tels des contes pour adultes sur lesquels planerait l’esprit schizo d’un Lewis Caroll, Invisible Friends ressemble à un monde de faux-semblants où la pop la plus légère sert de paravent pudique à des propos plus graves (« Hey, It’s Ok »), où ce qui débute comme un blues prend la tangente et groove comme du disco (« No No (Kids) »). Les esprits cartésiens vont devoir se laisser aller tant Lilly Wood and The Prick s’amuse constamment à brouiller les pistes. A l’origine new wave dans l’âme, « Down The Drain » s’est ainsi transformée en appel du pied pour les pistes de danse. La soul revancharde de « Cover My Face » et « Prayer In C », prière folk belle à briser les coeurs, précèdent « My Best », tube à l’énergie rock mais à la peau électronique. « Little Johnny », où la voix de Nili rivalise avec celle de Margo Timmins des Cowboy Junkies, et « A Time Is Near » entourent l’atmosphérique « Hopeless Kids » qui s’envole comme du MGMT. Logiquement, l’album ne se pouvait se clore que sur une note onirique, celle de « Hymn To My Invisible Friend », splendide ballade en apesanteur…
Désormais accompagnés par des musiciens qui les aident à donner de la chair et de l’énergie à leur répertoire (le fidèle Pierre Guimard à la basse, Mathias Fisch à la batterie), Nili et Ben ont parcouru du chemin depuis leurs premiers concerts sur des scènes minuscules. Mais pour eux qui vont tourner tout l’été (avec un passage aux Francofolies), seule la dimension des salles où ils se produisent dorénavant a changé. L’envie de ressentir des émotions et de les transmettre à leur public reste le principal moteur. Nul doute qu’en écoutant Invincible Friends, l’album de débutants touchés par la grâce, tout le monde le comprendra.

Plus d'informations sur Lilly Wood & The Prick :

www.myspace.com/lillywoodandtheprick

Un concert Notice France :
 

Plus d'informations sur Notice France :
http://www.noticefrance.fr

ATTENTION LE CONCERT EST ANNULE !

"La séparation du Saïan Supa Crew après le troisième album a laissé un goût amer dans la
bouche des fans… Pour les membres du groupe, ce split soudain a marqué la fin d’un rêve et
l’obligation de se réinventer. C’est ce qu’a fait Sir Sam uel avec son nouvel album Gallery .
(sortie octobre 2011 sur test/wagram)

Déjà en 2005, Samuel s’était fait la main avec un solo au titre créole, Vizé Pli O’. Un petit clin
d’œil reggae à ses origines antillaises. Honnête et lucide, Samuel l’admet : la fin du Saïan a été
un moment déterminant dans sa vie d’artiste.

« Ça m’a coupé les jambes, mais ça ne m’a pas dégoûté du business. Ma crainte était de
retourner au silence. Et puis j’avais l’impression d’avoir vécu un échec. Comme dans un couple,
quand tu sais que tu laisses partir la femme de ta vie pour des conneries. Aucun d’entre nous ne
pensait que ça allait finir ».

La reconstruction démarre en compagnie de Féfé, celui dont Samuel est le plus proche et qu’il
va coacher pendant le temps de préparation de son album Jeune À La Retraite.

« On a retrouvé le goût de créer, sans codes. On a fait une trentaine de titres, dont la moitié a
fini sur l’album. C’était un réel plaisir. Féfé m’a demandé de mettre mes affaires en stand-by. Et
comme on est amis avant tout, je me suis penché chaque jour, pendant un an et demi, sur son
disque. J’étais son miroir ».

Puis Samuel écrit, compose, retrouve l’inspiration pour son propre compte. Son but : ne plus
chercher la vaine performance technique, mais aller vers plus de naturel en mixant reggae, rap
et chanson française.

« Plus ça va et plus je vais vers la chanson française ou urbaine. On a trente ans, on est
susceptible d’incarner la variété de demain. J’assume ça, j’en ai envie. Je veux qu’il y ait un
Jean-Jacques Goldman chez nous, que ce soit moi, Féfé ou un autre, mais qu’il y ait cette

reconnaissance des valeurs du hip hop, qu’on arrive à le diluer pour le plus grand public, sans
mettre de masques ».

Afin de concrétiser cette vision, Samuel s’entoure de musiciens venus d’horizons variés, de la
variété au jazz en passant par le reggae. Johan Dalgaard, pianiste/compositeur qui a travaillé
avec Johnny et Gaétan Roussel, coréalise l’album avec lui. Le saxophoniste Jacques Schwarz-
Bart, le bassiste Michel Alibo, le guitariste Stéfane Goldman ou encore le batteur Franck
Mantégari, font partie de ceux qui vont façonner le son Samuel modèle 2011.

« Des artistes qui n’hésitent pas à se pencher sur des choses moins érudites que leurs
musiques de base. Ils sont généreux, j’ai adoré travailler avec eux. L’album mélange
programmations et acoustique. Il y a toujours une boucle qui traîne dans mes musiques, peut-
être l’héritage du hip hop, en tout cas j’ai besoin de ça. Même sur scène, un séquenceur tourne
en permanence ».

Mixées au studio Twin par Mitch Olivier, les quatorze chansons de Gallery témoignent de
l’éclectisme de Samuel, qui chante, rappe et toaste avec la même aisance.
Sur « Anisa », il évoque une rupture difficile. Clé d’une meilleure compréhension de la chanson :
ce prénom est aussi l’anagramme de… Saïan.
« Mon Hall », chanson acoustique habillée d’une guitare sèche et de chœurs discrets, raconte
avec finesse l’ennui et la solitude en bas des blocks.
« Mental Offishall », le premier single, accueille la voix chaude de Féfé. Deux autres invités sont
présents, le vétéran virtuose du hip hop Busta Flex sur « Carnaval » et le jeune chanteur reggae
Little Dan sur « Dire je t’aime ».
Avec « Prendre le large », Samuel aborde avec tact et émotion le sujet des enfants soldats. « Je
me présente, je n’ai que huit ans/Je connais déjà la guerre, c’est mon travail ». Un texte écrit à
la première personne, bouleversant mais pas larmoyant pour autant.

« J’ai des enfants, je vois la facilité avec laquelle on peut les guider vers le bon ou le mauvais
chemin. Après avoir vu le film Blood Diamond et avoir discuté avec ma fille de neuf ans, j’ai écrit
ce texte avec le sourire, comme si c’était normal. Je ne voulais pas que ça soit plaintif. Un
enfant c’est joyeux, peu importe ce qu’il fait. C’est ça qui est grave avec les enfants soldats ».
Pas de masque pour Samuel, pour qui ce Gallery représente un instantané, la photo d’un
sentiment musical spontané.

« J’ai bouclé la parenthèse hip hop, j’ai été chercher ce que je suis, un enfant du Top 50. Je n’ai
plus peur d’aller vers les choses qui me divertissent ».

Olivier Cachin"

Plus d'informations sur Sir Samuel :

http://www.myspace.com/sirsamssc 

Un concert Notice France :
 

Plus d'informations sur Notice France :
http://www.myspace.com/noticefrance

www.noticefrance.fr

Jean-Louis Murat sera de passage en Lorraine pour venir présenter au public son nouvel album, intitulé "Grand Lièvre" sorti fin septembre.

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GRAND LIEVRE

Il arbore de vertigineuses oreilles, est célèbre pour sa vélocité et hante de nombreuses légendes à travers la planète. Les Indiens d’Amérique en ont même fait une divinité à la fois esprit farceur et architecte de l’univers. Mais si Jean-Louis Murat a intitulé « Grand Lièvre » son nouvel album, c’est davantage par amour de l’animal que par souci de mythologie ésotérique. Grand lièvre, symbole d’une espèce en voie de disparition, métaphore d’une terre perdue…

Deux ans que Jean-Louis n’avait publié d’album. Le dernier, « Le Cours Ordinaire des Choses », l’avait vu explorer les contrées country du côté de Nashville, Tennessee. « Grand Lièvre » a retrouvé gîte et harde, repères et compères. Enregistré en quelques jours dans le sud de la France, avec les fidèles Fred Jimenez et Stéphane Reynaud, épaulés par le pianiste Slim Batteux, le disque sonne comme s’il avait été capté dans les conditions du live : « Il y avait un magnéto 24 pistes qui tournait en continu, raconte Jean-Louis. Le principe était « on ne touche à rien ». Je voulais conserver tout ce que le mixage enlève habituellement, le travail, la sueur, les interrogations, les erreurs. »

Une musique qui, paradoxalement, n’a jamais été aussi limpide et énigmatique à la fois. Un son compact, précis, dominé par une section rythmique inflexible, un orgue impérieux et la guitare 12 cordes de Jean-Louis. Le tout zébré de bruissements, bruitages et dialogues mystérieux, et, nouveauté muratienne, de chœurs hypnotiques et lumineux. « Au moment de l’enregistrement, j’écoutais beaucoup de groupes de rock indé des années 90, comme Swell, Silver Jews, explique Jean-Louis. J’avais envie de retrouver cette matière sonore, ce travail de groupe. »

Tout au long des dix chansons du disque, on retrouve les thèmes chers à l’auteur du « Manteau de pluie » : la nature, la dérision de la condition humaine, le doute, l’amour, la solitude. Mais ici magnifiés, nimbés de mélodies tournoyantes et évidentes, à la fois familières et surprenantes. Comme dans « Vendre les prés », constat implacable du dépeuplement des campagnes, repris dans « Haut Arverne », hommage mélancolique au terroir de l’auteur.

Crédit Photo: Carole Epinette

Thèmes nouveaux aussi, comme celui de la cruauté de la guerre, évoquée dans « Sans pitié pour le cheval » ou « Rémi est mort ainsi », l’une inspirée par un ancêtre homonyme, un Jean-Louis Bergheaud héros de la guerre de 14-18, l’autre évoquant la Résistance à travers Rémi et Colette, personnages des manuels d’initiation à la lecture d’antan. Dont les syllabes dansantes parsèment souvent les chœurs de l’album, onomatopées en forme de clin d’œil paternel malicieux.

Dans « Qu’est ce que ça veut dire », allusion à la perte de mémoire, on entend la voix d’Andreï Tarkovski, réminiscence de l’album « Cheyenne Autumn ». Dans « Le Champion Espagnol », c’est la silhouette de Federico Bahamontes qui surgit au détour d’un lacet du col du Tourmalet. Et dans « Alexandrie », dédiée à une amie disparue, c’est Cléopâtre qu’on imagine juchée sur son trône.
« Les Rouges Souliers » et « La Lettre de la Pampa », entre conte d’Andersen et missive façon Leonard Cohen, parachèvent un album riche, aux reflets changeants et aux détours inattendus. Encore rehaussé par « Je voudrais me perdre de vue », ode au dédoublement de personnalité, avec ses riffs lancinants et sa rythmique acrobatique virevoltant de ternaire en binaire.
Grand Lièvre, grand œuvre, du Murat au sommet de son art, intime et immédiat, secret et universel. Son meilleur album ?

A savourer avec de grandes oreilles.A paraître le 26 septembre en 3 éditions : double CD (album+live), CD simple et vinyle"

EN TOURNÉE

2011
02/11 NANCY (54) L’Autre Canal
04/11 FONTAINE (38) La Source 
08/11 MASSY (91) Centre Culturel Paul Bailliart
10/11 PARIS (75) Le Trianon
17/11 TOULOUSE (31) La Dynamo
18/11 ANGOULEME (16) La Nef
19/11 BLOIS (41) Chato Do
20/11 BRUXELLES (BE) Le Botanique

2012
16/03 BOURGOIN JALLIEU (38) Les Abattoirs

    Bonjour, chers lecteurs. S’il m’a manqué d’écrire ici autant que vous attendiez avec une frénétique impatience de me lire, alors nous ne serons pas loin d’atteindre ensemble un orgasme culturel par écran interposé.

Ce lundi 10 octobre 2011, je fumais docilement une tisane de grand-mère tout en sirotant avec gourmandise un cigare « café-crème », allongé sur la moquette soyeuse de ma bibliothèque, tout en me demandant quel sens donner à ma vie. J’avais en partie répondu à cette question en glissant un bulletin « Jean-Michel Baylet » dans l’urne de la démocratie participative, comptant sur l’accent méridional pour mettre fin à la crise financière. Lorsqu’au travers de mon iphone endeuillé, la douce voix d’Ugo, notre rédacteur en chef bien-aimé, me sortait de cette torpeur que m’envient même les moines bouddhistes.  

Il me demandait si j’allais bien. Je répondais que oui, plutôt pas mal. Il me précisait que j’avais une jolie voix. Je lui signalais que j’étais au courant puisque je l’entendais tous les jours et que la sienne était pas mal non plus. Il me demandait si je voulais bien remplacer au pied levé la chroniqueuse de ce soir. Je lui répondais que oui. Il me saluait. Je le saluais à mon tour. Bref : j’allais chroniquer The Do et Catherine Ringer ce soir.

Je parcourais donc les allées automnales du Parc de la Pépinière à Nancy, accompagné de ma chère et tendre photographe. Elle allait shooter comme une dingue et j’allais chroniquer comme un fou. Nous allions être les Bonnie and Clyde de la presse musicale, les Marilyn and John de la couverture de concert, les Martine and François de… non, rien !

Si le chapiteau peut accueillir près de trois milles personnes, force est de constater qu’il sonnait un peu creux lorsque nous arrivâmes. Manifestement, les nombreux spectateurs attendus avaient acheté un billet pour voir de préférence la seconde partie et n’étaient pas pressés d’arriver. Ce qui n’était pas le cas de The Do. Le groupe franco-finlandais arrivait à l’heure et en courant. Ils étaient peut-être également impatients d’entendre la moitié des Rita Mitsouko.

Le set durait un peu plus d’une heure durant lequel le combo enchaînait les compositions folks matinées de son électro. Il fallait accorder à Olivia Merilahti, la chanteuse, une présence assez hypnotique et une voix modifiée dans une pédale d’effet qui n’enlevait rien à la performance vocale. Le chant était clair, précis et puissant.

 Ils plaçaient intelligemment leur succès, On my shoulders, au milieu du concert, ravissant les fans tandis que la chanteuse retirait le bébé phoque décédé bonnet de fourrure qu’elle portait sur la tête, rappelant à l’audience ses origines barbares finnoises. The Do parvenait à faire se décoller du Sol, un public Fasciné par une Mise en scène Réussie et une performance muSicale proche de La perfection. (Oui, j’en rajoute un peu mais il fallait bien que j’aille au bout de cette stupide blague)

Quelques minutes plus tard, tandis que je dégustais une coupe de champagne allongé sur le comptoir du bar réservé au VIP sous le regard courroucé des hôtesses d’accueil, j’observais des ronds se former de manière régulière à la surface de mon breuvage pétillant. Ils étaient produits par les ondes sourdes de la batterie, annonçant le début du prochain concert. Ma chère et tendre était déjà en train de jouer des coudes de l’autre côté de la barrière afin de vous ramener quelques clichés. La salle était désormais pleine à craquer pour voir et entendre la voix de feu les Rita Mitsouko.

Catherine Ringer arrivait simplement, sans artifice ni jeu de scène et lançait le concert comme on lance un sujet de conversation depuis son canapé, entouré de ses proches lors d’une soirée amicale. Le chant semblait un peu hésitant, passablement éraillé mais la puissance et l’intention étaient là. Quelques titres du dernier album servaient de hors d’œuvres. Puis venait rapidement le premier tube, Ding dang dong (ringing at your bell) qui enflammait la salle. En performeuse expérimentée, la Ringer distillait les tubes comme le Saint Nicolas les bonbons. Et du haut de ses 53 ans, mettait une bonne claque à tous les chanteurs et chanteuses de salle de bain qui rêvaient de succès en se trémoussant mollement devant leur miroir.

Le fruit des entrailles de l’union diabolique des duettistes de Rita Mitsouko tenait la guitare à côté de sa génitrice qui l’avait enfantée comme elle avait accouchée des nombreuses chansons que l’ont connaît tous. Tout juste regrettais-je le clavier qui s’était borné à reprendre fidèlement certains arrangements datant des années 80 ou 90 et désormais un peu désuets.

La légende très vivante du rock français déroulait avec facilité et une grande proximité avec le public, les chansons ayant rythmées la vie de beaucoup d’entre nous (Andy, Y a de la haine…).

Nous rentrions alors, ma chère et tendre photographe et moi même, vers le domicile conjugal, avec des rêves pleins les yeux et les oreilles. Elle ramenait chez nous quelques bleus, décorations épidermiques, stigmates de sa bravoure dans la tranchée des voleurs d’images. Quant à moi, je ramenais la preuve que le sens de la vie ne se trouvait pas forcément dans un choix électoral, mais que son intérêt se trouvait certainement sur la scène du Chapiteau de la Pépinière, à Nancy, ce lundi 10 octobre 2011 et il se prénommait Catherine.

Photos : Cécile Kremer
Article : Môssieur Louis
Nancy Jazz Pulsations 2011 - 38ème édition

Plus de photos de Catherine Ringer :

Plus de photos de The Do :